Le « Statement » (traduction: Déclaration) est une pratique utilisée fréquemment dans le milieu artistique, sur les site d’artiste ou un élément obligatoire dans l’élaboration de dossiers afin d’obtenir expositions, résidences ou subsides : Il s’agit d’un court texte de présentation de la démarche artistique.

Il est souvent accompagné d’un Curriculum Vitae et de textes de presse ou de critiques d’art sur le travail de l’artiste.

En tant qu’artiste, le travail d’écriture d’un « statement » peut aider à clarifier sa propre position d’artiste, sa proposition artistique, autant que constituer une introduction efficace sur les motivations et intérêts de l’artiste.

Il pourrait s’apparenter à une lettre de motivation, mais possède son propre language et système, proche d’une déclaration pour la presse.Un effort de synthèse doit être envisagé, car ce texte ne doit pas dépasser une page A4.

Il faut s’imaginer prendre un ascenseur avec un acteur important du monde de l’art, et qu’en deux minutes, le temps d’un voyage, votre interlocuteur ait pu avoir une idée claire de votre travail et motivation. Pas simple .

Il est important de comprendre qu’il ne s’agit pas d’écrire votre vie ou votre vie intérieure, mais bien de présenter le travail.

Ce texte est souvent repris par les médias ou des sites de référencement, il est donc important de bien le rédiger et qu’il soit complet.

Ce « statement » peut prendre toutes les formes : il peut s’apparenter à un manifeste ou bien juste une description du travail.En d’autres termes, il représente l’artiste et comment il veut communiquer sur son travail.

On peut mettre l’accent sur différents points du travail de l’artiste: mettre en avant l’aspect visuel ou conceptuel, l’attitude de l’artiste, son positionnement envers l’histoire de l’art, etc

Voici quelques réflexions glanées sur le net autour de cette pratique:

Q: Why do I have to write an artist statement? It’s stupid. If I wanted to write to express myself I would have been a writer. The whole idea of my art is to say things visually. Why can’t people just look at my art and take away whatever experiences they will?

A: Artist statements are not stupid; they’re more like essential. And you don’t have to be a writer to write one. And people already look at your art and take away whatever experiences they will. Your artist statement is about facts, a basic introduction to your art; it’s not instructions on what to experience, what to think, how to feel, how to act, or where to stand, and if it is, you’d better do a rewrite.

On this planet, people communicate with words, and your artist statement introduces and communicates the language component of your art. People who come into contact with your art and want to know more will have questions. When you’re there, they ask you and you answer. When you’re not there, your artist statement answers for you. Or when you’re there, but you don’t feel like answering questions, or you’re too busy to answer questions, or someone’s too embarrassed to ask you questions, or you’re too embarrassed to answer questions, then your pal, your artist statement, does the job for you. So let’s get busy and write the damn thing…

Just about all artists want as many people as possible to appreciate their art. A good artist statement works towards this end, and the most important ingredient of a good statement is its language. WRITE YOUR STATEMENT IN LANGUAGE THAT ANYONE CAN UNDERSTAND, not language that you understand, not language that you and your friends understand, not language that you learn in art school, but everyday language that you use with everyday people to accomplish everyday things. An effective statement reaches out and welcomes people to your art, no matter how little or how much they know about art to begin with; it never excludes. Rest assured that those who read your statement and want to know more will christen you with ample opportunities to get technical, metaphysical, philosophical, personal, emotional, moralistic, socially relevant, historical, environmentally responsible, political, autobiographical, anecdotal, or twisty with jargon– LATER, NOT NOW.

Like an introduction to a book, your statement presents the fundamental underpinnings of your art; write it for people who like what they see and want to know more, not those who already know you and everything your art is about. In three to five paragraphs of three to five sentences each, provide basic information like WHY YOU MAKE YOUR ART, WHAT INSPIRES YOU TO MAKE IT, WHAT IT SIGNIFIES OR REPRESENTS, WHAT’S UNIQUE OR SPECIAL ABOUT HOW YOU MAKE IT, and briefly, WHAT IT MEANS TO YOU. Don’t bog readers down, but rather entice them to want to know more. As with any good first impression, your statement should hook and invite further inquiry, like a really good story is about to unfold. Give too little, not too much.

People have short attention spans. When you overload readers with details, you risk drowning them in minutia, and discouraging those who might otherwise persevere if you keep it simple. Address and answer commonly asked questions about your art. Save the complicated stuff for those who progress to the next level. Don’t worry about having to satisfy your dedicated fans. You won’t bore them and you won’t lose them; they already love you. And if they have questions, they know how to get them answered. Remember– your statement is about broadening your audience, not keeping it static. You’ll have plenty of time to give your most recent converts the grand tour– LATER, NOT NOW– you have to convert them first.

Plus this… your statement is about you, so personalize it. Write it in the first person, not like you’re talking about yourself in the abstract. Infuse it with your unique perspective. Whenever possible, make it conversational, like you’re speaking directly to readers (note: a good editor can work wonders here). The more complicated, theoretical, arcane, inscrutable, bloated, pompous, elitist, egotistical, bombastic, arrogant or impersonal your statement, the more trouble people will have trying to hack through it and connecting with you and your art on meaningful levels. Few readers want to burn calories trying to decipher complexities; they burn ’em all day long. For now, they just want to see your art, take it easy, have fun and enjoy themselves.

Additional considerations:

* Not all artists can write well. If you’re in that category, think seriously about hiring a professional writer or editor, preferably one with an art background, to help you convey what you want your statement to convey in language that ordinary everyday people can understand.

* Make « I » statements rather than « you » statements. Talk about what your art does for you, not what it’s supposed to do for the viewers. This doesn’t mean you start every sentence with « I, » but rather that you respect people’s autonomy and allow them to respond to your art however they wish.

* At all times, give readers the option to agree or disagree with you. Never pressure them or attempt to dictate outcomes.

* Avoid comparative or evaluative comments that have been made about your art by third parties such as gallery owners, critics, collectors, or curators. These belong in your bio, resume or curriculum vitae. In your statement, they’re name-dropping; in your curriculum vitae, they’re testimonials.

* Connect what your art expresses with the medium that you’re expressing it in. For example, if your art is about world peace, and it consists of twigs protruding from pieces of clay, explain the connection. Arbitrarily stating that twig/clay protrusions represent world peace leaves people wondering. If of course, the object of your art or your statement is to leave people wondering, then that’s OK. In art everything is OK, but in order to succeed as an artist, someone beside yourself generally has to get the point of what you’re doing.

* Be specific, not vague. For example, if your art is « inspired by assessments of the fundamentals of the natural world, » tell which fundamentals you’re assessing and how they inspire you.

* Avoid obscure references to music, art, literature, history, or anything else that requires detailed explanation or gobs of previous knowledge. If you have to make such a reference, explain it fast so that people know what you’re talking about. If you can’t do it fast, do it later.

* Tell the story about what led up to your art ONLY if it’s short, compelling, and really really relevant. People are generally not interested in progressions of antecedent events. Something leads up to everything; we all know that.

* Avoid comparing yourself to other artists. If other artists influence you, fine, but don’t say, « Like Picasso, I do this » or « Like Judd, I do that. » Instead, say something like « Picasso’s Blue and Rose paintings influence how I use yellow. » Better yet, leave other artists out of your statement altogether. Let the critics decide who you’re like. Plus you don’t want to invite comparisons between yourself and the greatest artists who’ve ever lived. We all know who the victor’s gonna be there.

* Don’t instruct people on how to see, feel, behave, respond, or otherwise relate to your art. Nobody likes being told what to do. Instead of saying « You will experience angst when you see my art, » say « This art expresses my angst » or « I express my angst through my art. » Or go see a therapist and work it all out.


Before you go public with your statement, get feedback. Show your art and statement to friends, friends’ friends, and maybe even a stranger or two. Make sure they get it, that they understand what you want them to understand. When they don’t, or you have to explain yourself, do a rewrite and eliminate the confusion. If you need help, find someone who writes or edits and have them fix the problem. Many times, a little rearranging is all that’s necessary to make your statement a clean clear read.

No matter how good your statement is, know up front that most people will read it and move on; only a few will want to know more, fewer yet will want to know everything, and fewer yet will ultimately progress to the point where they actually buy something. That’s simply the nature of art and personal taste. Having said that, never underestimate the power of an effective statement to intensify, enhance and advance how people experience your art.

Portfolio en ligne

Quelques notes autour de cette pratique du portfolio d’artiste en ligne:

  • Une des méthodes pour commencer à créer son propre site/portfolio est de répertorier les sites qui vous plaisent et dont le design et navigation semblent adéquat pour votre propre travail: Un photographe n’a pas besoin des mêmes designs, outils, etc qu’un peintre ou un boucher.
  • Ensuite, il s’agira de s’inspirer du design et de la navigation pour créer votre propre site/blog/portfolio.
  • Sachez que la création d’un portfolio nécessite un temps de travail assez conséquent.
  • Il existe beaucoup de possibilités pour créer un portfolio en ligne, gratuit et efficace.

Ci-dessous sont répertoriés quelques exemples présent sur le net:

  • Cargo Collective:

Sur ce site, vous pouvez avoir accès gratuitement à ce qu’ils proposent, mais il faut être accepté par les membres fondateurs du site.

Système de création de blogs très facile à utiliser. Le blog de l’atelier est conçu avec WordPress.

  • Indexhibit

Ce système demande des qualités non négligeables en informatique.

A une certaine époque, j’ai essayé de l’utiliser, sans succès.

What is it?

Indexhibit is a pioneering CMS web application founded in 2006 which is used to create websites in the established index + exhibit format.

The Indexhibit format has become archetypal for the creative community, combining good functionality and usability for the website maker and visitors.

Who is it for?

Everybody who would like to build and manage their own website embracing the archetypal index + exhibit format.

Why use it?

To become part of a community of users who place emphasis on content over complicated website design.

How to begin?

Try our online demo. Login, download our CMS. Install the CMS on your website server and begin building your website.

  • Wix est une plateforme de développement Web basée sur le Cloud qui réunit des millions d’utilisateurs à travers le monde. Wix permet à chacun de créer facilement un site web de qualité professionnelle. Aucune connaissance en programmation n’est nécessaire à la création de votre site Internet.

Prise de vue d’une oeuvre d’art.

Les liens ci-dessous explicitent très bien les problèmes relatifs à la prise de vue d’oeuvres d’art.A lire et à suivre scrupuleusement si vous voulez avoir de bons visuels de vos travaux.Ce n’est pas très compliqué, mais il faut de la rigueur, un bon appareil photographique numérique, un bon objectif et une charte de couleur.


exemple de charte, noir & blanc et couleur.

Pour la retouche d’image sur photoshop:

Par rapport au matériel de prise de vue et notamment l’objectif de l’appareil photo, ces trois conseils glanés sur le net sont primordiaux:

– utiliser une focale fixe plutôt qu’un zoom pour avoir un meilleur piqué, moins de déformation, moins de vignettage

– ne pas travailler à pleine ouverture afin d’obtenir un peu de profondeur de champ et ainsi éviter des zones floues

– cadrer un peu plus large et intégrer une charte gris neutre (ou au pire une feuille blanche) afin d’avoir une référence pour la température de couleur : cela permettra de corriger la balance des blancs dans un logiciel pour avoir un rendu des couleurs le plus fidèle possible.

Nervia/Musée d’Ixelles.Ouverture des salles des oeuvres contemporaines, dont 3 pièces de Stephan Balleux.

Vernissage Mercredi 21octobre 2015 18h30

L’exposition NERVIA / LAETHEM-SAINT-MARTIN, Traits d’union vous invite à (re)découvrir deux groupes qui ont joué un rôle important sur la scène artistique belge durant l’entre-deux-guerres : au Nord du pays, le groupe de Laethem avec, entre autres, Gustave Van de Woestyne et Valérius De Saedeleer et, au sud, le groupe hennuyer Nervia, avec notamment Anto Carte et Léon Navez.
Des œuvres de ces artistes, qui privilégient une atmosphère sereine et une palette feutrée, sont pour la première fois mises en dialogue et révèlent les nombreux points de convergence entre les deux groupes, ainsi que leurs différences…


La chambre claire

Rolan Barthes

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  • Editeur : Gallimard; Édition : Gallimard (21 février 1980)
  • Collection : Cahiers du Cinéma/Gallimard
  • Langue : Anglais
  • ISBN-10: 207020541X
  • ISBN-13: 978-2070205417

La Chambre Claire : Note sur la photographie est un livre de Roland Barthes, publié en 1980, dans lequel celui-ci s’interroge sur la nature et l’essence de la photographie. La Chambre claire, par opposition à lachambre noire où l’on développe la photo, est un éclaircissement, une philosophie, selon Roland Barthes. Celui-ci reste abasourdi par une photo de 1852 représentant le dernier frère de Napoléon. Il se dit alors : « Ces yeux ont vu l’Empereur ! ». Puis la photographie culturelle l’éloigne peu à peu de cet étonnement. Il veut cependant savoir ce que la photographie est « en soi », si elle dispose d’un « génie » propre. En tout cas elle reproduit à l’infini, mécaniquement, ce qui n’a lieu qu’une fois. Elle ne peut être transformée philosophiquement. Percevoir ce qu’elle signifie n’est pas impossible si l’on fait appel à la réflexion.


Sur la photographie

Susan Sontag


  • Broché: 280 pages
  • Editeur : Christian Bourgois Editeur (9 octobre 2008)
  • Collection : Titres
  • Langue : Français
  • ISBN-10: 2267020033
  • ISBN-13: 978-2267020038

« Tout a débuté par un essai, consacré A quelques-uns des problèmes Esthétiques, et moraux, que pose L’omniprésence des images Photographiques: mais plus Je réfléchissais à la nature des Photographies, plus elles devenaient Complexes et suggestives. Si bien Qu’un essai en engendra un autre, Qui à son tour (à mon étonnement) En engendra un troisième, et ainsi de Suite, chacun ajoutant un maillon A une chaîne d’essais sur le sens et La vie des photographies, jusqu’à ce Que je fusse allée assez loin pour que Le développement esquissé dans Le premier essai, étayé puis prolongé Dans les suivants, pût être récapitulé Et généralisé de façon plus Théorique. » Et trouver son terme. – Susan Sontag 1977« relisant sur la photographie cinq ans après sa parution en anglais, Je comprends mieux pourquoi il m’a Pratiquement fallu la totalité des Cinq années qui avaient précédé pour Ecrire ces six essais (commencés en 1973 et terminés en 1977. Ecrire sur la Photographie, c’est écrire sur le Monde. Et ces essais sont en fait une Méditation prolongée sur la nature De notre modernité… S’il était possible de dédier une Traduction, comme on dédie un livre, Il est clair que je dédierais celle-ci à la Mémoire de Roland Barthes. » – Susan Sontag paris, novembre 1982. –Ce texte fait référence à une édition épuisée ou non disponible de ce titre.

Biographie de l’auteur

Susan Sontag est née à New York en 1933. Elle publie son premier roman à l’âge de trente ans. Dans les années 1960, elle écrit pour différents magazines et revues. Très engagée à gauche, figure de la scène new-yorkaise, elle est proche d’intellectuels français comme Roland Barthes, auquel elle a consacré un livre. Son essai Sur la photographie paraît en 1977. Elle publie également des romans, dont L’amant du volcan et En Amérique pour lequel elle a reçu le National Book Award. Le Prix Jérusalem, qui lui a été attribué en 2001, et le Prix de la Paix des librairies allemands, qui lui a été remis à Francfort en 2003, récompensent l’ensemble de son œuvre. Elle est morte le 28 décembre 2004 à New York.

Gilbert Fastenaekens: Photographie, entre art et document?

La photographie est un vaste territoire où se côtoient des approches fondamentalement différentes. Historiquement, on pourrait tracer une ligne de démarcation entre une photographie subjective, expressionniste, dite artistique et une photographie s’appuyant sur le réel, plus descriptive et informative, dite documentaire. La photographie assume en effet la fonction de moyen de reproduction mécanique, d’outil scientifique en même temps qu’elle se développe comme pratique artistique. Cette double nature, entre art et document, fait la spécificité de ce médium. Mais, aujourd’hui la frontière semble plus floue puisque ce sont les photographies ayant la nature la plus documentaire que l’on retrouve accrochée aux cimaises des musées d’art contemporain. Comment en est-on arrivé a une telle affirmation du médium, reposant sur son principe fondateur, l’enregistrement ?

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Vie et mort de l’image.

Régis Debrayvieetmort

  • Poche: 528 pages
  • Editeur : Folio (3 janvier 1995)
  • Collection : Folio essais
  • Langue : Français
  • ISBN-10: 2070328724
  • ISBN-13: 978-2070328727

L’image a toujours eu barre sur les hommes, mais l’œil occidental a une histoire et chaque époque son inconscient optique. Notre regard fut magique avant d’être artistique. Il devient à présent économique.Il n’y a pas d’image en soi. Son statut et ses pouvoirs ont varié au gré des révolutions techniques et des croyances collectives. C’est la logique de cette évolution surprenante qu’on a voulu ici suivre à la trace, depuis les grottes ornées jusqu’à l’écran d’ordinateur. En réconciliant, par une démarche médiologique, les approches matérielle et spirituelle du monde de l’art, trop souvent exclusives.L’ère des images n’aura-t-elle été qu’une brève parenthèse entre le temps des «idoles» et celui du «visuel» où nous sommes entrés ?La mise au jour des codes invisibles du visible dissipe en tout cas quelques mythes tenaces, tels que «l’histoire de l’Art» ou «la Civilisation de l’image». En entrant dans la vidéosphère, avec le saut décisif du cinéma à la télévision et bientôt avec la révolution numérique, c’est sans doute aussi à «la société du spectacle» qu’il nous faut dire adieu.

Introduction à l’analyse de l’image

Martine Jolyanalyseimagejolyanalyseimagejoly2

  • Broché: 123 pages
  • Editeur : Armand Colin; Édition : 2e édition (20 mai 2009)
  • Collection : 128
  • Langue : Français
  • ISBN-10: 2200355300
  • ISBN-13: 978-2200355302

Présentation de l’éditeur

Afin de permettre une lecture plus consciente de ce que l’image véhicule, cet ouvrage propose une analyse du message visuel fixe (tableau, photographie, affiche, etc.), nécessaire pour aborder celle des messages plus complexes (images en séquence, animée, etc.). L’auteure s’interroge sur les diverses significations de l’image et les questions que celle-ci soulève. Elle explore les résistances que son analyse peut susciter comme les fonctions que celle-ci peut remplir. Elle montre enfin combien la lecture de l’image peut stimuler l’interprétation créative et devenir un gage d’autonomie. Les exemples méthodologiques sont longuement développés et servent de support à des rappels théoriques de base.

Biographie de l’auteur

Martine Joly est professeur émérite à l’université de Bordeaux 3 Michel-de-Montaigne.

Carnets du Bal -Tome 2 – L’image déjà là, usage de l’objet trouvé photographique et cinématographique.
  • Broché: 156 pages
  • Editeur : Images En Manoeuvres; Édition : 1 (17 novembre 2011)
  • Collection : Les carnets du bal
  • Langue : Français
  • ISBN-10: 2849952249
  • ISBN-13: 978-2849952245
L’histoire de la photographie est aussi celle de sa prolifération,
de son accession progressive a une quasi-ubiquité grâce aux
moyens de reproduction technique sur lesquels la presse et la
publicité fondèrent leur efficacité. Dès lors, il était inévitable
que l’image photographique, comme à sa suite l’image en
mouvement, devienne un matériau disponible pour d’autres
images, d’autres usages. Remploi, collage, montage,
readymade, détournement : la photographie, le cinéma et la
vidéo ont ainsi donné lieu à de multiples opérations qui mirent
l’accent sur leur caractère d’objet, et non plus seulement de
médium. Les douze contributions inédites ici réunies
proposent un tour d’horizon de ces pratiques qui constituent à
elles seules une histoire parallèle de l’art des images à l’ère
moderne et contemporaine.
proposent un tour d’horizon de ces pratiques qui constituent à
elles seules une histoire parallèle de l’art des images à l’ère
moderne et contemporaine.

Virginia Woolf/été78 avec Marie Braun, Céline Cuvelier, Charlotte Flamand, Babette Goossens.

Les lu 26, ma 27 et me 28 octobre: 3 soirées « plastiques » dédiées à Virginia Woolf
En collaboration avec Philippe Hunt, professeur de littérature à l’Académie royale des Beaux-Arts et Florian Kiniques, artiste plasticien, nous célébrons les 100 ans de la parution du premier roman de Virginia Woolf, « The Voyage Out » (La Traversée des Apparences). Six jeunes artistes plasticiennes ont été conviées afin d’évoquer une écriture, un ton « Virginia Woolf ». Quelques évènements sont organisés à cette occasion. Une opportunité de discuter et de (re)découvrir ce roman – satire sociale mais aussi marqueur du passage de l’adolescence à l’âge adulte d’une jeune femme s’embarquant pour l’Amérique du Sud à bord d’un bateau de son père. Les six plasticiennes sont issues de l’Académie royale des Beaux-Arts : Meri Badalyan, Marie Braun, Céline Cuvelier, Charlotte Flamand, Babette Goossenset Emmanuela Vulpiani.

Informations pratiques :

– lundi 26 octobre à 18h, vernissage en présence des artistes, performances et musique ;
 – mardi 27 octobre de 17h à 20h : visites commentées, sans rendez-vous ;
 – mercredi 28 octobre à 20h : finissage sous forme de présentation et lectures :

  • lectures en français et en anglais (pour mieux appréhender le ton Virginia Woolf)) ;
  • Durée 1h + drink ;
  • Réservation obligatoire pour cette soirée uniquement, gratuit : envoyer un mail à
Adresse : rue de l’Été 78, 1050 Ixelles.

Centrale LAB, Weifu & Ruifu Guo, vernissage ce 14 octobre

Capture d’écran 2015-10-12 à 13.21.31

Réalisées sur toile et sur bois, les œuvres des jumeaux d’origine chinoise figurent un labyrinthe 3D qui sonde l’espace et l’univers.

“Nous avons choisi de créer des œuvres relatives à l’espace et par extension à  l’Univers, les œuvres ont été réalisées sur toile et bois avec un labyrinthe en trois dimensions. Nous voulons exprimer l’idée du développement et du progrès continu de l’humanité. Les gens cherchent  à approfondir éternellement leur connaissance du monde, tout en explorant le labyrinthe qui les entoure. Comme un mythe.”

Place Sainte-Catherine 16
1000 Bruxelles
+32 (0)2 279 64 44/35/52

Mercredi > Dimanche
10:30 > 18:00
Fermé les jours fériés

Terra mentis, avec Céline Cuvelier, Anne-Marie Dehon, Babette Goossens, Ariane Lejeune, Elina Salminen

Bienvenue à la prochaine exposition Terra mentis au Centre culturel Omar Khayam (45 avenue des Armures, Forest, Bruxelles)
Vernissage et présentation du livre Adélaïde-paysage de Claire Ponceau le vendredi 23/10 de 18h30 à 22h00.
Welcome to the next Terra mentis exhibition to Centre Culturel Omar Khayam (45 avenue des Armures, Forest, Bruxelles).
Opening and presentation of Adélaïde-paysage by Claire Ponceau on friday 23th october from 18.30 to 22 p.m.
Pour les conférences du cycle Enclaves/oasis, voir :